Este artista visual emiratí representa a los Emiratos Árabes Unidos en la 59ª Bienal de Venecia

En una entrevista, Mohamed Ahmed Ibrahim habla sobre su profunda relación con Khor Fakkan y las influencias que han dado forma a su arte.

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El artista visual emiratí Mohamed Ahmed Ibrahim, un miembro influyente de la ahora histórica vanguardia de los Emiratos Árabes Unidos, representa a los Emiratos Árabes Unidos en la 59ª Bienal de Venecia que se abre al público el 23 de abril y durará hasta el 27 de noviembre.

La encuesta de arte contemporáneo más prestigiosa y de más larga duración del mundo se remonta a 1895 cuando el alcalde de Venecia decidió dar un espacio de exhibición a los artistas que se reunían en el Caffè Florian en la Plaza de San Marcos. La primera nación en construir un pabellón en la Bienal de Venecia fue Bélgica en 1907, seguida de Gran Bretaña, Alemania y Hungría en 1909. Cien años después, en 2009, los EAU se convirtieron en la primera nación del Golfo en presentar un pabellón nacional.

Durante décadas, la feria internacional de arte de Venecia ha sido un indicador fundamental de los nuevos desarrollos en el campo del arte contemporáneo. El célebre espectáculo artístico se extiende desde el Arsenale, un complejo de antiguos astilleros y armerías, y los Giardini, un jardín serpenteante anclado por su Pabellón Central. Se pueden encontrar ochenta pabellones nacionales dentro de las dos sedes y, a veces, en palacios más alejados. Este año participan por primera vez cinco países: Camerún, Namibia, Nepal, Omán y Uganda.

Mohamed Ahmed Ibrahim ha sido elegido para llenar el Pabellón de los EAU en el Arsenale - Sale d'Armi. Nació en Khor Fakkan en 1962, nueve años antes de que se fundaran los EAU en 1971. Una influencia significativa en la escena artística de los EAU, pertenece al grupo de artistas experimentales y conceptuales formado a principios de la década de 1980 cuando comenzó su innovadora carrera artística. . Su práctica inspiradora está ligada a varios medios, desde la pintura hasta la escultura, desde la instalación hasta el land art.

Encuentro encanto en el trabajo de Mohamed, un arte espontáneo que expresa una sensación de asombro y admiración por el mundo natural y las criaturas que habitan el medio ambiente. Eso también se puede deducir de su nueva instalación de arte de la Bienal de Venecia titulada Entre el amanecer y el atardecer, comisariada por Maya Allison, directora ejecutiva de la Galería de Arte de Abu Dhabi de la Universidad de Nueva York y también curadora del Pabellón Nacional EAU 2022.

El título del programa hace referencia a la ciudad natal de Mohamed, Khor Fakkan, ubicada en la costa este de los Emiratos Árabes Unidos, entre las montañas Shumayliyah y el Mar Arábigo. Elevándose a una altitud de 1.023 metros en Al Jebel al Hilqah, Khor Fakkan es un paraíso escondido rodeado de montañas por tres lados y el océano por el cuarto. El artista cuenta wknd. sobre su profunda conexión con Khor Fakkan y las influencias que han dado forma a su arte.

Dijiste que la exhibición de Venecia demuestra “la tensión entre las coloridas y brillantes mañanas de Khor Fakkan, cuando el sol sale sobre el océano, y la desaparición de los colores a media tarde cuando el sol se esconde detrás de las montañas que se ciernen sobre mi ciudad natal”. Nunca ves la puesta de sol en Khor Fakkan. “Aún así, podemos imaginarlo al otro lado de los Emiratos Árabes Unidos”, dijiste. ¿Puedes explicar más cómo Khor Fakkan afectó tu creatividad?

Mi trabajo surge directamente de mi entorno, esté donde esté. Como Khor Fakkan es el hogar donde he vivido toda mi vida, es una fuente principal para mi trabajo. No hay duda de que Khor Fakkan fue mi principal inspiración para esta exposición. Sin embargo, mi arte se deriva de cada entorno en el que me encuentro, en cualquier lugar del mundo en el que me encuentre.

¿Qué significa para usted representar a los Emiratos Árabes Unidos en la Bienal de Venecia?

Mi nombramiento es un gran honor y conlleva una gran responsabilidad. Estoy encantado de relacionarme con algunos de los artistas y conceptos más intrigantes del mundo. La Bienal de Venecia es la plataforma definitiva donde los artistas de todos los diferentes campos del mundo del arte se reúnen para exhibir, discutir y ser parte de un discurso cultural global significativo. Espero representar a mi país junto a la curadora Maya Allison y ser parte de este diálogo.

La edición de este año de la Bienal de Venecia nos lleva a un viaje imaginario a través de las metamorfosis del cuerpo. Presentas coloridas esculturas de papel maché y nuevas obras de formas escultóricas orgánicas, abstractas y de tamaño humano. ¿Podrías anticipar un mensaje detrás de esas piezas? ¿Están relacionados con algunos de los temas principales de la Bienal, como 'Los cuerpos y sus metamorfosis' o 'La conexión entre los cuerpos y la tierra'?

Sí. Me alegró ver la resonancia entre los temas de la 59.ª Exposición Internacional de Arte, La Biennale di Venezia, titulada The Milk of Dreams, un nombre tomado de un libro de la artista surrealista Leonora Carrington. El nuevo trabajo que presento es un conjunto de formas biomórficas que sugieren un proceso de transformación. Debido a que son similares en tamaño a los cuerpos humanos y están hechos de materiales terrosos, comparten muchos puntos de conexión temática con la Bienal. Habrá múltiples esculturas que hagan una sola obra. Los colores de la instalación pasan de una rica saturación al blanco y negro, un efecto que resuena con el título de la exposición. Significará algo diferente para cada persona; el mensaje es para que el espectador lo descubra. Estoy interesado en comprender las interpretaciones de otras personas sobre mi trabajo, por lo que me gusta dejar mi trabajo abierto. Dicho esto, a menudo, mi trabajo se deriva de mi conexión con el entorno local de Khor Fakkan y los materiales locales con los que he trabajado durante casi cuatro décadas. Evoluciona a partir de lo que veo en el espacio entre la pupila y el párpado.

Trabajas con materiales locales: roca, alambre de cobre, tierra, arcilla, hojas, madera, piedra, etc. La naturaleza de Khor Fakkan te ayuda a confiar más en ti mismo, dijiste. ¿Puedes explicar este concepto?

Se remonta a mi aprendizaje de ser honesto conmigo mismo mientras creo mi trabajo. Los materiales de mi entorno son parte de eso. La honestidad conduce a la confianza.

¿Tu obra evoluciona a través de unidades conceptuales definidas que buscan la armonía?

La armonía ya está presente en los materiales. De los materiales surgen mis conceptos como unidades que expresan esa armonía. No hay armonía perdida.

Cuando creas, ¿haces un mundo de simbiosis donde el hombre no está en la cúspide de la pirámide?

La obra de arte puede tener formas que reflejen la naturaleza u otras referencias de mi entorno. Creo mis símbolos, formas y estructuras, para que las personas mismas puedan interpretarlos.

Vuestra patria es una sociedad ultramoderna. A través de tu arte, ¿cómo expresas la dicotomía de la naturaleza y un mundo hipermoderno?

Esta dualidad existe en todas partes: en Venecia, también tenemos lo tradicional y lo moderno. Donde vivo siempre ha estado abierto al mundo, como una ciudad portuaria con comerciantes de paso durante siglos.

¿Cuáles son tus inspiraciones?

Me inspiro en lo que está frente a mí, en quién está a mi alrededor y en lo que encuentro cuando cierro los ojos. La confianza en mi proceso ha venido por muchas cosas. Incluye a mis compañeros artistas y varios textos, que van desde textos históricos y filosóficos de nuestra región hasta teoría e historia del arte contemporáneo e interacciones que han conformado mi formación. Todos siguen inspirándome.

¿Qué técnicas utilizas más en pintura y escultura?

Cuando pinto, sigo mi propio ritual: simplemente mojo mi pincel en el color, hago un punto en el lienzo y comienzo con la forma. Principalmente uso acrílico porque es más controlable que la pintura al óleo. Dejé de pintar con óleo en 2019, pero recientemente sentí nostalgia por él. La pintura al óleo consume mucho tiempo. Por ejemplo, si agrega un color, debe esperar tres o cuatro días o, a veces, dos semanas para que se seque antes de poder volver a trabajar.

Cuando se trata de esculpir, primero experimento con el material, lo que puede llevar algún tiempo, desde 10 minutos hasta un mes. Experimento con café, té o tabaco y con hierba u hojas. Luego uso el material preparado para hacer los objetos. Comienzo sin un plan predeterminado. Comienzo con un objeto seco utilizando cartón o una caja y añado material a la estructura. Veo como la estructura seca se moja y comienza a moverse. Se siente como si la vida estuviera llegando a esta estructura seca, y comienza a tomar forma. No interfiero durante el proceso; A veces agrego más o quito algunas partes hasta que yo y el objeto estamos satisfechos.

¿Eres un artista autodidacta? También has sido policía y banquero, pero esos trabajos no se correspondían con tu personalidad, declaraste.

Mi educación tomó una forma inusual, es cierto, pero no diría autodidacta. Aprendí de varios profesores sobre técnica e historia del arte en Rusia, Siria, los Países Bajos y los Emiratos Árabes Unidos, y a través del aprendizaje colectivo con mi comunidad aquí. No hubo decisión de ser artista. No es como estudiar para ser médico. Hacer arte se convierte en parte de tu personalidad. No puedes separarlo de la vida diaria. No es como si fueras un artista en tu estudio, y cuando sales, no lo eres. Siempre eres un artista. Es más que reconocí que era un artista, no que decidí serlo. Tú Tienes que ser muy honesto contigo mismo para dibujar y hacer arte. Aún así, hasta ahora, no estoy seguro de ser un artista. La sociedad te da este nombre y esta posición. Me estoy preguntando, “¿Soy un artista?”, soy un artista porque la cultura humana lo enmarcó de esta manera.

¿Tus sentimientos acerca de convertirte en artista fueron profundos e inquebrantables desde el principio? ¿O fue un camino difícil para alcanzar ese tipo de conciencia?

Pasé la mayor parte de mis años escolares en Kuwait, donde las clases de arte formaban parte del plan de estudios escolar. Me volví hábil en el dibujo y la pintura, lo que, a su vez, se convirtió en parte de mi identidad social, ya que mis compañeros y profesores me pedían que dibujara mapas e ilustraciones. Había sido un dibujante talentoso, pero mirando hacia atrás en este período preuniversitario, sentí que al final, descubres que no eres un artista y que lo que estás haciendo no es arte. Tan simple como eso. No entendí lo que el arte podía significar para mí hasta más tarde. Después de unos años en la universidad, el anhelo por el arte me motivó a leer literatura y escribir poesía. Y finalmente en la universidad, mi estudio de psicología me llevó adelante.

wknd@khaleejtimes.com

Con motivo de la Bienal de Venecia, estará disponible para su compra una importante monografía sobre el artista, Mohamed Ahmed Ibrahim: Between Sunrise and Sunset / Works 1986-2022. El libro está coeditado por Maya Allison y Cristiana de Marchi.

El Pabellón Nacional de los EAU es una organización independiente sin fines de lucro encargada por la Fundación Salama Bint Hamdan Al Nahyan y apoyada por el Ministerio de Cultura y Juventud de los EAU.